Théâtre

Sarah Bernhardt Hamlet, en 1899

Théâtre (également théâtre en anglais américain ) est une forme de collaboration d' art qui utilise les artistes de scène de présenter l'expérience d'un événement réel ou imaginaire devant un public dans un endroit spécifique. Les artistes peuvent communiquer cette expérience pour le public à travers des combinaisons de geste, de la parole, le chant, la musique ou la danse. Éléments de conception et la mise en scène sont utilisés pour améliorer la physique, la présence et l'immédiateté de l'expérience. Le lieu précis de la performance est également nommé par le mot «théâtre» comme dérivé du grec ancien θέατρον (Theatron, "un endroit pour l'affichage»), lui-même de θεάομαι (theáomai, "pour voir", "à surveiller", " observer ").

Théâtre occidental moderne découle en grande mesure de l'ancien théâtre grec, dont il emprunte la terminologie technique, la classification en genres, et plusieurs de ses thèmes, des personnages, des actions et éléments de l'intrigue. Théâtre universitaire Patrice Pavis définit théâtralité, langage théâtral, écriture scénique, et la spécificité du théâtre expressions comme des synonymes qui différencient le théâtre de l'autre arts de la scène, la littérature , et les arts en général.

Théâtre d'aujourd'hui comprend des spectacles de théâtre et de comédies musicales. Bien qu'il puisse être définie au sens large pour inclure l'opéra et de ballet , ces formes d'art sont en dehors du champ d'application de cet article.

Histoire

Grèce classique et hellénistique

Un maître (à droite) et son esclave (à gauche) dans un jeu de phlyax, vers 350/340 BCE.

Le ville état de Athènes est où théâtre occidental origine. Il faisait partie d'un plus vaste culture de la théâtralité et la performance dans Grèce classique qui comprenait festivals, rituels religieux, la politique , droit, l'athlétisme et la gymnastique, la musique, la poésie, les mariages, les funérailles, et colloques. Participation à de nombreux de l'État-ville des festivals et la participation à la Ville Dionysia comme un membre de l'auditoire (ou même en tant que participant dans les productions théâtrales), en particulier-était une partie importante de la citoyenneté . La participation civique participe également l'évaluation de la rhétorique de orateurs en évidence des performances dans le cour de justice ou assemblée politique, les deux qui ont été compris comme analogue au théâtre et plus venu à absorber son vocabulaire dramatique. Les Grecs ont également développé les concepts de la critique dramatique, agissant comme une carrière, et l'architecture de théâtre. Le théâtre de la Grèce antique se composait de trois types de drame : tragédie, comédie, et de la Drame satyrique. Les origines du théâtre dans la Grèce antique, selon Aristote (384-322BC), le premier théoricien du théâtre, se trouvent dans les festivals qui honorés Dionysus.The performances ont été donnés dans la coupe de salles semi-circulaire à flanc de colline, capable d'accueillir 10.000-20.000 personnes. L'étape a consisté en une piste de danse (d'orchestre), dressing et aire de bâtiment-scène (skene). Depuis les mots étaient la partie la plus importante, une bonne acoustique et la prestation claire étaient primordiaux. Les acteurs (toujours des hommes) portaient des masques appropriés aux personnages qu'ils représentaient, et chacun peuvent jouer plusieurs parties. Athénienne tragédie la plus ancienne forme de survivant de la tragédie-est un type de danse -drama qui a formé une partie importante de la culture théâtrale de la ville-Etat. Ayant vu le jour quelque temps lors de la 6e siècle avant notre ère, il fleuri lors de la 5ème siècle avant notre ère (de la fin de laquelle il a commencé à se répandre dans le monde grec), et a continué à être populaire jusqu'au début de la Période hellénistique. Aucun tragédies de la 6e siècle avant notre ère et seulement 32 de plus d'un millier qui ont été effectuées durant la 5ème siècle avant notre ère ont survécu. Nous avons textes complets existant par Eschyle, Sophocle, et Euripide. Les origines de la tragédie restent obscures, mais par le 5ème siècle avant notre ère, il était institution lisé à des compétitions ( agôn) organisé dans le cadre des festivités célébrant Dionysos (le dieu du vin et fertilité). Comme les participants à la compétition de la Ville Dionysia (le plus prestigieux des festivals de mettre en scène théâtre) dramaturges ont été tenus de présenter une tétralogie de jeux (bien que les œuvres individuelles ne étaient pas nécessairement reliés par l'histoire ou le thème), généralement composée de trois tragédies et un drame satyrique. La performance de tragédies à la Ville Dionysia peut-être commencé dès 534 avant notre ère; documents officiels (de didaskaliai) commencent à partir de 501 avant notre ère, lorsque le drame satyrique a été introduit. La plupart des tragédies athéniens dramatisent événements de la mythologie grecque , si Les Perses -qui met en scène les Réponse Persique aux nouvelles de leur défaite militaire au Bataille de Salamine en 480 BCE-est l'exception notable dans le drame de survivant. Lorsque Eschyle remporté le premier prix pour elle à la Ville Dionysia en 472 avant notre ère, il avait écrit des tragédies pour les plus de 25 ans, mais son traitement tragique de l'histoire récente est le premier exemple de drame pour survivre. Plus de 130 ans plus tard, le philosophe Aristote analysé tragédie athénienne 5ème siècle dans le plus ancien ouvrage de survivant du dramatique théorie son Poétique (c. 335 BCE).

Comédie athénienne est conventionnellement divisé en trois périodes, "Old Comédie", "Moyen Comédie" et "New Comédie". Ancienne Comédie, survit aujourd'hui largement sous la forme de onze pièces de survivre Aristophane, tandis Moyen Comédie est en grande partie perdue (conservée que par fragments relativement courtes chez des auteurs comme Athénée de Naucratis). Nouvelle Comédie est surtout connu à partir des fragments de papyrus substantielles de Ménandre. Aristote définit la comédie comme une représentation de personnes risibles qui implique une sorte de maladresse ou la laideur qui ne cause pas de douleur ou d'une catastrophe.

Théâtre romain

Mosaïque représentant des acteurs masqués dans un jeu: deux femmes consultent un «sorcière».

Théâtre occidental développé et élargi considérablement sous les Romains . L'historien romain Tite-Live a écrit que les Romains ont connu premier théâtre au 4ème siècle avant notre ère, avec une performance de Acteurs étrusques. Beacham fait valoir qu'ils avaient été familiers avec les «pratiques pré-théâtre" pour un certain temps avant que le contact enregistrée. Le théâtre de la Rome antique était une forme d'art prospère et diversifiée, allant de Festival des performances théâtre de rue, danse nue, et acrobaties, à la mise en scène de La situation largement appel de Plaute comédies, à la de grand style, élaborer verbalement tragédies de Seneca. Bien que Rome avait une tradition originaire de la performance, le Hellénisation de La culture romaine au 3ème siècle avant notre ère a eu un effet profond et énergisant sur le théâtre romain et encouragé le développement de Littérature latine de la plus haute qualité pour le stage.The seul survivant tragédies romaines, en effet les seules pièces de toute nature de l'Empire romain, sont dix dramas- neuf d'entre eux pallilara- attribuée à Lucuis Sénèque (4 bc-65 ad), le philosophe stoïcien Corduba-né et précepteur de Néron.

Théâtre post-classique dans l'Ouest

Théâtre a pris de nombreuses formes alternatives à l'Ouest entre les 15e et 19e siècles, y compris la commedia dell'arte et mélodrame. La tendance générale était loin du drame poétique des Grecs et la Renaissance et vers une prose plus naturaliste du dialogue, surtout après la révolution industrielle .

Théâtre a pris une grande pause pendant 1642 et 1660 en Angleterre à cause de Cromwell Interrègne s '. Théâtre a été considérée comme un péché et les puritains essayé très dur de le chasser de leur société. En raison de cette période de stagnation, une fois Charles II revint sur le trône en 1660 dans le Restauration, théâtre (entre autres arts) a explosé en raison de beaucoup d'influence de la France, où Charles était en exil les années précédente à son règne.

Un des grands changements a été la nouvelle maison de théâtre. Au lieu de les types dans l'ère élisabéthaine qui étaient comme le Globe , tour avec pas de place pour les acteurs à la PPrE vraiment pour le prochain acte et sans «manières de théâtre," il a transformé en un lieu de raffinement, avec une étape à l'avant et peu gradins en face d'elle. De cette façon, des sièges était plus prioritaire parce que certains sièges sont évidemment mieux que d'autres, car l'assise ne était plus tout autour de la scène. Le roi aurait le meilleur siège dans la maison: au beau milieu du théâtre, qui a obtenu le point de vue plus large de la scène ainsi que la meilleure façon de voir le point de vue et point de fuite que le stade a été construit autour. Philippe Jacques de Loutherbourg était l'un des scénographes les plus influents de l'époque à cause de son utilisation de l'espace au sol et le paysage.

En raison de la crise avant cette époque, il y avait encore une certaine controverse sur ce qui doit et ne doit pas être mis sur la scène. Jeremy Collier, un prédicateur, était l'un des chefs de ce mouvement à travers sa pièce Un court Vue de l'immoralité et la profanation de la scène anglaise. Les croyances dans ce document étaient principalement détenues par les amateurs non-théâtre et le reste des puritains et très religieuse de l'époque. La principale question était de savoir si voir quelque chose d'immoral sur le comportement des effets de scène dans la vie de ceux qui la regardent, une controverse qui joue encore aujourd'hui.

Le XVIIIe siècle a également introduit des femmes à la scène, ce qui aurait été extrêmement inapproprié avant. Ces femmes ont été examinées comme des célébrités (également un concept plus récent, grâce à quelques idées sur l'individualisme qui commençaient à être né dans Humanisme de la Renaissance), mais d'autre part, il était encore très nouveau et révolutionnaire qu'ils étaient sur la scène et certains ont dit qu'ils étaient unladylike et méprisés. Charless II ne aimait pas les jeunes hommes jouant les parties de jeunes femmes, il a demandé que les femmes jouent leurs propres pièces. Parce que les femmes ont été autorisés sur la scène, dramaturges avaient plus de marge de manœuvre avec des rebondissements comme eux se habiller comme les hommes et les évasions étroites de situations moralement collantes comme des formes de la comédie.

Comédies étaient pleins de jeunes et très en vogue, avec le scénario suivant leur vie amoureuse: généralement un jeune héros espiègle professant son amour à l'héroïne esprit chaste et gratuitement près de la fin de la pièce, tout comme Sheridan School for Scandal. Beaucoup de comédies ont été façonnés après la tradition française, principalement Molière, saluant à nouveau revenir à l'influence française ramené par le Roi et les Royals après leur exil. Molière fut l'un des dramaturges comiques top de l'époque, révolutionner la façon dont la comédie a été écrite et interprétée en combinant Commedia dell'arte, la comédie française et de la satire pour créer certaines des comédies satiriques les plus durables et les plus influents. Tragédies étaient tout aussi victorieux dans leur sens de redressement pouvoir politique, particulièrement poignant en raison de la récente restauration de la Couronne. Ils étaient aussi des imitations de la tragédie française, bien que les Français avaient une plus grande distinction entre la comédie et la tragédie, alors que les Anglais trafiqué les lignes occasionnellement et mis quelques pièces comiques dans leurs tragédies. Les formes courantes de pièces non-comiques étaient des comédies sentimentales ainsi comme quelque chose qui serait plus tard appelé tragedie bourgeoise, la tragédie de la vie commune, étaient plus populaires en Angleterre parce qu'ils appliquent plus à la sensibilité anglaise.

À travers le 19ème siècle, les formes théâtrales populaires de romantisme , mélodrame, Burlesque victorienne et la jeux bien faits de Scribe et Sardou a fait place à la problème de la joue Naturalisme et Réalisme; la farces de ; Feydeau de Wagner l'opéra Gesamtkunstwerk; théâtre musical (y compris Gilbert et les opéras de Sullivan); FC Burnand de, WS Gilbert et Les comédies dessin de salon de Wilde; Symbolisme; proto expressionnisme à la fin des travaux de Août Strindberg et Henrik Ibsen ; et Comédie musicale Edwardian.

Ces tendances se sont poursuivies à travers le 20ème siècle dans le réalisme de Stanislavski et Lee Strasberg, le théâtre politique Erwin Piscator et Bertolt Brecht, le soi-disant Théâtre de l'Absurde de Samuel Beckett et Eugène Ionesco, comédies musicales américaines et britanniques, les créations collectives des sociétés d'acteurs et de réalisateurs tels que Joan Littlewood de Atelier de Théâtre, expérimentale et théâtre postmoderne Robert Wilson et Robert Lepage, le théâtre postcoloniale de Août Wilson ou Tomson Highway et Augusto Boal Théâtre de l'Opprimé.

Traditions théâtrales de l'Est

Rakshasa ou le démon comme représenté à la Yakshagana, une forme de musique de danse - théâtre de Inde.

La première forme de Théâtre indien était le Théâtre sanscrit. Il a commencé après le développement de Grec et Théâtre romain et avant le développement du théâtre dans d'autres parties de l'Asie. Il est apparu quelque part entre le 2ème siècle avant notre ère et le 1er siècle de notre ère et a prospéré entre le 1er siècle de notre ère et le 10, qui était une période de paix relative dans le histoire de l'Inde au cours de laquelle des centaines de pièces ont été écrites. Formes de japonais Kabuki, Non, et Kyogen développé au 17e siècle de notre ère. Théâtre dans le monde islamique médiéval inclus théâtre de marionnettes (qui comprenait des marionnettes, théâtre d'ombres et productions de marionnettes) et des pièces de passion vivants appelés ta'ziya, où les acteurs rejouent des épisodes de l'histoire musulmane . En particulier, Jeux islamiques chiites ont tourné autour du chahid (martyr) de Les fils de Ali Hasan ibn Ali et Husayn ibn Ali. Jeux séculiers étaient connus comme akhraja, enregistré dans la ville médiévale la littérature adab, se ils étaient moins fréquents que les marionnettes et ta'ziya théâtre.

Types

Drame

Drame est spécifique mode de la fiction représenté sur la performance. Le terme vient d'un grec la signification du mot " action ", qui est dérivé du verbe δράω, OFR,« faire »ou« d'agir ». La promulgation de théâtre dans le théâtre, interprété par les acteurs sur une scène devant un public, suppose modes collaboratifs de production et un forme collective de réception. Le structure des textes dramatiques, contrairement à d'autres formes de littérature , est directement influencé par cette production collaborative et la réception collective. Le début des temps modernes tragédie Hamlet ( 1601) par Shakespeare et de la tragédie athénienne classique Œdipe roi (c. 429 BCE) par Sophocle sont parmi les chefs-d'œuvre de l'art du théâtre. Un exemple moderne est Journey into Night Long Day par Eugene O'Neill (1956).

Considéré comme un genre de la poésie en général, le mode dramatique a été contrasté avec le épique et la modes lyriques depuis Aristote l ' Poétique (c. 335 BCE) -le premier travail de la théorie dramatique. L'utilisation de «drame» au sens étroit pour désigner un type spécifique de jouer dates de la 19ème siècle. Drame en ce sens se réfère à un jeu qui ne est ni une comédie ni un exemple de tragédie pour, Zola Thérèse Raquin ( 1873) ou Tchekhov Ivanov ( 1887). Dans la Grèce antique cependant, le mot drame englobe tous les pièces de théâtre, tragique, comique, ou quelque chose entre les deux.

Drame est souvent combiné avec la musique et la danse : le drame dans l'opéra est généralement chanté tout au long; comédies musicales comprennent généralement deux parlées le dialogue et la chansons; et certaines formes de théâtre ont musique de scène ou de l'accompagnement musical soulignant le dialogue ( le mélodrame et japonais Non, par exemple). Dans certaines périodes de l'histoire (l'ancienne romaine et moderne romantique ) certains drames ont été écrit pour être lire plutôt que réalisé. En l'improvisation, le drame ne préexiste pas le moment de la performance; artistes concevoir un script dramatique spontanément devant un public.

Théâtre musical

Musique et théâtre ont eu une relation étroite depuis fois- ancienne Athénien tragédie, par exemple, était une forme de danse - théâtre qui employait une choeur dont les parties ont été chanté (à l'accompagnement d'un aulos instrument -un comparable à la moderne clarinette ), comme certains de de réponses et de leurs «les acteurs chansons en solo '( monodies). Moderne théâtre musical est une forme de théâtre qui combine aussi la musique, le dialogue parlé, et la danse. Il est ressorti de opéra comique (surtout Gilbert et Sullivan), variété, vaudeville, et genres de music-hall de la fin 19e et du début 20ième siècle. Après le Comédie musicale Edwardian qui a commencé dans les années 1890, le Comédies musicales Princesse Théâtre du début du 20ème siècle, et les comédies dans les années 1920 et 1930 (comme les œuvres de Rodgers et Hammerstein), avec Oklahoma! (1943), des comédies musicales déplacé dans une direction plus dramatique. Comédies musicales célèbres au cours des décennies suivantes inclus My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), Le Fantasticks (1960), Cheveux (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980) et Le Fantôme de l'Opéra (1986), ainsi que des hits plus contemporains y compris Louer (1994), Le Roi Lion (1997) et Wicked (2003).

Théâtre musical peut être produit à l'échelle intime Off-Broadway, dans théâtres régionaux, et d'ailleurs, mais il inclut souvent spectacle. Par exemple, Broadway et Comédies musicales du West End comprennent souvent des costumes somptueux et des ensembles soutenus par des budgets de plusieurs millions de dollars.

Comédie

Masques de théâtre de la tragédie et la comédie. Mosaïque, Œuvre romaine, 2ème siècle de notre ère.

productions de théâtre qui utilisent l'humour comme un véhicule pour raconter une histoire qualifier des comédies. Cela peut inclure une moderne farce telle que Boeing Boeing ou d'une pièce classique tels que Comme Vous L'Aimez. Théâtre exprimant sombre, controversées ou sujet tabou question d'une manière délibérément humoristique est appelé comédie noire.

Tragédie

Tragédie, alors, est une imitation d'une action qui est grave, complète, et d'une certaine ampleur;

dans un langage orné de chaque type de l'ornement artistique, les différents types étant trouvés dans des parties distinctes de la pièce;

sous la forme d'action, pas de récit;

par pitié et la peur effectuer la bonne purgation de ces émotions.

- Aristote , Poétique

La phrase d'Aristote "plusieurs types étant trouvés dans des parties distinctes de la pièce" est une référence aux origines structurelles de drame. Dans ce document les parties parlées ont été écrites dans le Dialecte attique tandis que la chorale (récité ou chanté) ceux de la Doric, ces écarts reflètent les origines religieuses différentes et mètres poétiques des pièces qui ont été fusionnées en une nouvelle entité, le drame théâtral.

Tragédie se réfère à un particulier tradition de théâtre qui a joué un rôle unique et important historiquement dans l'auto-définition de La civilisation occidentale. Cette tradition a été multiple et discontinue, mais le terme a souvent été utilisé pour invoquer un effet puissant de l'identité culturelle et continuity- historique "la Grecs et les Élisabéthains, sous une forme culturelle; Hellènes et Chrétiens, dans une activité commune », comme Raymond Williams met. De ses origines obscures vers la théâtres d'Athènes il ya 2500 ans, à partir de laquelle il survit seulement une fraction du travail de Eschyle, Sophocle et Euripide, à travers ses articulations singulières dans les œuvres de Shakespeare , Lope de Vega, Racine, et Schiller, la plus récente tragédie naturaliste Strindberg, Beckett méditations modernistes sur la mort, la perte et la souffrance, et Müller remaniements postmodernistes du canon tragique, la tragédie est resté un important site d'expérimentation culturelle, la négociation, la lutte, et le changement. Dans le sillage d'Aristote Poétique (335 BCE), la tragédie a été utilisé pour faire distinctions de genre, que ce soit à l'échelle de la poésie en général (où les clivages tragiques contre épique et lyrique) ou à l'échelle du drame (où la tragédie se oppose à comédie). Dans le ère moderne, la tragédie a également été définie contre le drame, mélodrame, le tragi-comique, et théâtre épique.

Les théories du théâtre

Fête de village avec des performances de théâtre circa 1600.

Ayant été une partie importante de la culture humaine depuis plus de 2500 ans, le théâtre a évolué un large éventail de différents théories et pratiques. Certains sont liés à des idéologies politiques ou spirituelles, tandis que d'autres sont basés uniquement sur les préoccupations «artistiques». Certains processus se concentrent sur une histoire, d'autres sur le théâtre comme événement, et certains sur le théâtre en tant que catalyseur pour le changement social. Le philosophe grec classique Aristote l ' Poétique (c. 335 BCE) est le plus ancien exemple-survivante et ses arguments ont influencé les théories du théâtre depuis. Dans ce document, il offre un compte de ce qu'il appelle "la poésie" "décision" (un terme qui signifie littéralement en grec et dans ce contexte comprend drame - comédie, tragédie et la satyre play-ainsi que la poésie lyrique, la poésie épique, et la dithyrambe). Il examine ses «principes» et identifie son les genres et les éléments de base; son analyse de tragédie constitue le cœur de la discussion. Il fait valoir que la tragédie se compose de six parties qualitatives, qui sont (par ordre d'importance) mythos ou «complot», ethos ou «caractère», dianoia ou «pensée», lexique ou «diction», mélos ou "chanson", et opsis ou «spectacle». "Bien que la Poétique d'Aristote est universellement reconnu dans le Tradition critique de l'Ouest », explique Marvin Carlson," presque tous les détails au sujet de son travail de pionnier a suscité des opinions divergentes "Important. praticiens du théâtre de la 20e siècle comprennent Konstantin Stanislavski, Vsevolod Meyerhold, Jacques Copeau, Edward Gordon Craig, Bertolt Brecht, Antonin Artaud, Joan Littlewood, Peter Brook, Jerzy Grotowski, Augusto Boal, Eugenio Barba, Dario Fo et Robert Wilson (directeur).

Stanislavski traité le théâtre comme un forme d'art qui est autonome à partir de la littérature et dans lequel le la contribution de l'auteur doit être respecté en tant que d'un seul d'un ensemble de créateurs. Sa contribution novatrice à la théorie d'acteur moderne est restée au cœur de courant la formation de la performance de l'Ouest pour une grande partie du siècle dernier. Que bon nombre des préceptes de son «Système» de la formation de l'acteur semble être le bon sens et témoigne évidentes à son succès hégémonique. Acteurs emploient souvent ses concepts de base sans savoir qu'ils le font. Merci à sa promotion et l'élaboration par les enseignants qui étaient d'anciens étudiants et les nombreuses traductions de ses écrits théoriques agissant, 'le système' de Stanislavski acquis une capacité sans précédent pour traverser les frontières culturelles et développé une portée internationale, dominant les débats sur agissant en Europe et aux États-Unis . De nombreux acteurs assimilent régulièrement son «système» avec l'Amérique du Nord Méthode, bien que les techniques exclusivement psychologiques de cette dernière contrastent fortement avec la multivariante de Stanislavski, holistique et approche psychophysique, qui explore le caractère et l'action à la fois de la «intérieur» et «extérieur» et traite l'esprit et le corps de l'acteur en tant que parties d'un continuum.

Les aspects techniques du théâtre

Un exemple de éclairage de scène et brouillard théâtrale.

Théâtre présuppose modes collaboratifs de production et un forme collective de réception. Le structure des textes dramatiques, contrairement à d'autres formes de littérature , est directement influencé par cette production collaborative et la réception collective. La production de pièces implique généralement des contributions d'un dramaturge, directeur, fonte des acteurs , et un technique équipe de production qui comprend une scénographe ou ensemble, concepteur d'éclairage , créateur de costumes, concepteur sonore, metteur en scène, et directeur de production. En fonction de la production, cette structure peut également comprendre un compositeur, dramaturge, concepteur vidéo ou combattre directeur.

Mise en scène est un terme générique désignant les aspects techniques du théâtre, le cinéma et la production vidéo. Il inclut, mais ne est pas limité à, la construction et le gréement des paysages, la pendaison et focalisation de l'éclairage, la conception et l'achat de costumes, le maquillage, les achats d'accessoires, mise en scène, et l'enregistrement et le mixage du son. Mise en scène est distinct du terme parapluie plus large de la scénographie. Considéré comme une technique plutôt qu'un domaine artistique, il se rapporte principalement à la mise en œuvre pratique de la vision artistique d'un créateur. Dans sa forme la plus basique, la mise en scène est géré par une seule personne (souvent le metteur en scène d'une production plus faible) qui organise tous les paysages, les costumes, l'éclairage et le son, et organise le casting. À un niveau plus professionnel, par exemple maisons de Broadway modernes, la mise en scène est géré par des centaines de charpentiers qualifiés, peintres, électriciens, machinistes, agrafeuses, perruquiers, et autres. Cette forme moderne de la mise en scène est très technique et spécialisé: il comprend de nombreuses sous-disciplines et un vaste trésor de l'histoire et de la tradition. La majorité des mise en scène se situe entre ces deux extrêmes. Les théâtres régionaux et les grands théâtres communautaires auront généralement un directeur technique et un complément de designers, dont chacun a une main directe dans leurs conceptions respectives.

organisation de Théâtre et de l'administration

Il ya beaucoup de mouvements de théâtre modernes qui vont de produire théâtre dans une variété de façons.

Théâtre Royal, Drury Lane , Londres circa 1821

Entreprise théâtrale varie énormément dans la sophistication et le but. Les gens qui sont impliqués varient des professionnels aux amateurs novices à spontanés. Le théâtre peut être effectuée sans argent du tout, ou sur une grande échelle avec des budgets de plusieurs millions de dollars. Cette diversité se manifeste dans l'abondance de sous-catégories de théâtre, qui comprennent:

• Théâtres de Broadway et Théâtre West End
• Le théâtre communautaire
• Dîner-théâtre
• théâtre Fringe
• Off-Broadway et Off West End
• Off-Off-Broadway
• Théâtre régional
• Stock d'été le théâtre

Entreprises Repertoire

Alors que la plupart des compagnies de théâtre modernes répètent une pièce de théâtre à la fois, se acquitter de cette pièce pour un ensemble "run", retirer la pièce, et de commencer à répéter un nouveau spectacle, entreprises répertoire répéter plusieurs spectacles en même temps. Ces entreprises sont en mesure d'effectuer ces diverses pièces sur demande et d'effectuer des œuvres souvent pendant des années avant de les retirer. La plupart des compagnies de danse fonctionnent sur ce système répertoire. Le Royal National Theatre de Londres effectue sur un système de répertoire.

Théâtre de répertoire implique généralement un groupe d'acteurs accomplis de même, et se appuie davantage sur la réputation du groupe que sur un acteur individuel étoiles. Il se appuie aussi généralement moins sur un contrôle strict par un directeur et moins sur l'adhésion aux conventions théâtrales, depuis les acteurs qui ont travaillé ensemble dans plusieurs productions peuvent répondre à l'autre sans se appuyer autant sur la convention ou de la direction externe.

Produire vs présentant

Afin de mettre sur une pièce de théâtre, à la fois une compagnie de théâtre et un salle de théâtre sont nécessaires. Quand une compagnie de théâtre est la seule société en résidence dans un lieu de théâtre, ce théâtre (et sa compagnie de théâtre correspondante) sont appelés un théâtre résident ou un théâtre produire, parce que le lieu produit son propre travail. Autres compagnies de théâtre, ainsi que des compagnies de danse, ne ont pas leur propre salle de théâtre. Ces entreprises effectuent dans des théâtres de location ou dans les théâtres présentant. Les deux théâtres de location et présentant ne ont pas de sociétés résidentes à temps plein. Ils, cependant, ont parfois une ou plusieurs sociétés résidentes à temps partiel, en plus d'autres entreprises partenaires indépendants qui organisent à utiliser l'espace lorsqu'il sera disponible. Un théâtre location permet aux entreprises indépendantes d'en rechercher l'espace, tout en présentant un théâtre de recherche les sociétés indépendantes pour soutenir leur travail en les présentant sur leur stade.

Certains groupes de performance exécutent dans des espaces non théâtraux. Ces performances peuvent avoir lieu en dehors ou à l'intérieur, dans un espace de performance non-traditionnelle, et comprennent théâtre de rue, et Site théâtre spécifique. Des lieux non traditionnels peuvent être utilisés pour créer des environnements plus immersifs ou significatives pour un public. Ils peuvent parfois être modifiés plus lourdement que les salles de théâtre traditionnels, ou peuvent accueillir différents types de matériel, l'éclairage et ensembles.

Un Touring Company est une compagnie de théâtre ou de la danse indépendante qui se déplace souvent à l'échelle internationale, étant présenté dans un théâtre différent dans chaque ville.

Unions

Il existe de nombreux syndicats de théâtre, y compris Acteurs Equity Association (pour les acteurs et metteurs en scène), la metteurs en scène et chorégraphes Société (DDC) et le Alliance internationale des employés de scène, de théâtre et de cinéma (IATSE, pour les concepteurs et techniciens). De nombreux théâtres exigent que leur personnel soit membres de ces organisations.